— A mes débuts, tout était trop facile. J’ai finalement réalisé qu’il fallait que j’organise mon travail, que j’apprenne à travailler intelligemment. J’en avais marre d’être l’esclave de mon instrument et j’avais la ferme volonté de tout faire pour que je puisse jouer de mon instrument le plus longtemps possible... J’ai donc commencé par faire le point et à laisser surgir les questions. Qu’est-ce qui est véritablement difficile? Pas forcément le trait bourré de notes, mais par exemple bien jouer ce qui est facile... C’est déjà tout un programme, toute une philosophie. J’ai enfin entrepris l’étude sérieuse et minutieuse des études des Kopprasch et autres maîtres qui nous ont légué les clés de la maîtrise. Rien de trop difficile (d’une façon générale, dans le monde de la musique, on travaille des choses trop difficiles). J’ai mis en place un système de mise-en-lèvres et développé ma propre conception artistique de la sonorité et du style.
Dès 1978, Gregory Cass est engagé au Conservatoire populaire de Musique de Genève, une institution particulièrement dynamique et ouverte à de nombreuses sources de pensées permettant de prodiguer un enseignement différencié, sensible et sensé. C’est là qu’il découvre la technique Alexander qui l’aide beaucoup.
— Le musicien est souvent son propre ennemi! Pourquoi y a-t-il un tel déchet chez les musiciens qui jouaient pourtant très bien à vingt ans? Les données d’un instrumentiste se transforment constamment, rarement pour le mieux, surtout s’il n’y prend pas garde. Un musicien de cuivre qui a du talent peut percer spectaculairement en peu d’années alors que les cordes, par exemple, doivent obligatoirement passer de nombreuses années à acquérir la maîtrise nécessaire.
Ce genre de réflexion lui révèle peu à peu les graves carences de l’enseignement chez les cuivres. Entre sa recherche personnelle et les problèmes inhérents à chaque élève se développe une expérience pédagogique fructueuse (Gregory Cass a guidé de nombreux élèves vers le succès)
— Il y a quelque chose qui cloche dans l’enseignement des cuivres. Pourquoi vouloir à tout prix commencer par sortir un son? C’est le début des ennuis. Il y aura forcément trop d’air et les germes des défauts sont semés... Ce trop d’air fatiguera inutilement toute la musculature. Pourquoi ne pas commencer par dégager la voie, par disséquer les mécanismes. Pourquoi ne pas commencer par enseigner la patience? Il faut changer l’état d’esprit qui donne la priorité au but et au résultat plutôt qu’au travail sur soi-même. Il est autrement plus fructueux d’engager une philosophie, de stimuler réflexion et analyse que d’obéir à des routines machinales et à des entraînements intensifs stupides.
Quelques conseils de Gregory Cass
Mise en lèvres (env. 15 minutes)
— J’emploie les Warm-up de James Stamp (surtout avec l’embouchure seule), sans trop d’air!
— Je commence chaque séance exclusivement en legato
— Puis je joue lentement, en lié et en détaché, sur une seule respiration:
A) Des gammes majeures
1) sur une octave, en descendant graduellement par demi-tons;
2) sur deux octaves, en montant progressivement toujours plus haut.
B) Des gammes mineures sur deux octaves en cycle de quintes ou une gamme d’octave grave alternant avec une gamme d’octave aiguë en détaché.
C) Des liaisons sur les harmoniques, lento, 2 fois FF et 2 fois pp chaque.
Puis je fais une pause avant de passer aux études (Kopprasch, Clarke, Arban (méthode), Maxime-Alphonse 1-4, etc.) ou à mon répertoire solo, ou encore aux traits d’orchestres.
L’équipement de Gregory Cass
Instruments
— Cor en Fa/Si♭ Alexander (1960) (Ce que j’ai trouvé de mieux!)
— Branches d’embouchures Lawson interchangeables
— Petit cor en Fa aigu Alexander
— Cor Fa/Si♭ Alexander, 3ᵉ cylindre ascendant (Un instrument extraordinaire, par ex. pour la Messe en Si min. de Bach).
— Cor triple Engelbert Schmid
— Cor naturel Alexander
(Je joue parfois d’autres cors, mais c’est plutôt rare. Dommage que l’on soit obnubilés de nos jours par les gros pavillons et les grosses perces. Ceux qui soignent la sonorité ne peuvent pas jouer les perces larges. D’autre part, je trouve lamentable que l’on cherche à tout jouer sur un même instrument, surtout en Fa aigu! Ce dernier ton peut parfois s’avérer utile, mais il ne faut l’employer qu’en dernier ressort.)
Embouchure
— Bach N° 11
(Mais ça n’est pas très important. L’essentiel c’est de trouver un équilibre: bord pas trop large, cuvette pas trop profonde.)